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| Prince - Untitled (Cowboys) |
Cette photographie s’éloigne au moins autant de celle de Douglas Huebler que cette dernière différait de Migrant Mother, ne serait-ce que par le ton qu’elle emploie, par sa volontaire complexité et son fard. Cette œuvre, exécutée (selon le terme de la vente aux enchères, nous y reviendrons) en 1992, prend pourtant la même direction critique envers la photographie et l’art en général. Ce qui la démarque fondamentalement des autres est d’abord la difficulté que l’on éprouve à la lire et, en effet, si nous nous appuierons le plus possible sur ce que nous voyons dans l’œuvre même, il nous apparaîtra rapidement qu’elle est difficilement interprétable sans le contexte qui a entouré son « exécution ».
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| Kosuth |
Pour revenir, en premier lieu, sur ce mot, il faut savoir, avant de le voir, que Richard Prince réutilise très souvent le même procédé, et notamment pour cette série, qui consiste à re-photographier des images pré-existantes, la plupart du temps (à ma connaissance) dans les magazines américains. On retrouve dans cette démarche une réflexion ayant servi de base à de très nombreux artistes conceptuels avant d’être récupérée par le post-modernisme : le refus de rajouter des images au monde qui en est déjà rempli. Difficile, pourtant, de mettre Richard Prince avec Kosuth puisque l’œuvre finale de Prince se concrétise tout de même sous la forme d’une image (et pas n’importe laquelle, rappelons les dimensions de cette photographie : 101x72 cm). Quoiqu’il en soit, cette méthode qui est à rapprocher des « appropriationnistes » tels que Jacques Villeglé ou, plus contemporaine, Sherrie Levine. On peut, à posteriori, interpréter effectivement l’image dans ce sens (qui est le sens d’une qualité médiocre du fait de l’image d’origine, de la seconde prise de vue, de l’agrandissement considérable) : l’image est complètement floue, les couleurs vives acidulées rappellent les couleurs des magazines, les transitions colorées sont assez peu détaillées (qui plus est, sur le tirage original, la trame du magazine d’origine doit être visible)… Le cadrage, coupant la tête d’un cheval n’est pas très probant : l’apparition de cette tête de cheval dans le champ n’apporte aucun sens, pas même celui du suspens qu’aurait pu porter un fragment d’humain, et ressemble plus à une erreur imprévue qu’à un choix stylistique du photographe d’origine.
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| Jacques Villeglé |
Cette photographie représente deux hommes à cheval, conduisant d’autres chevaux ; leur façon de s’habiller ainsi que cette occupation les rattache plus à une légende des Etats-Unis qu’à une quelconque modernité : la légende du cowboy introduite ici par les lassos, la conduite de chevaux « à vide », les chapeaux, les vestes en cuir sans manches... C’est en cela, d’abord, que Richard Prince va se démarquer du culte de la modernité et de l’actualité prôné entre autres par les photoreporters tels que Dorothea Lange. L’étude de la temporalité de cette image est en effet très intéressante : nous disions donc que Richard Prince, photographe contemporain, propose une image anachronique des Etats-Unis et crée ainsi un écart entre lui-même et l’époque qu’il invoque ; cet écart est aussi sensible dans la forme que prend la photographie : cette image grandiose des hommes dans un environnement naturel hostile (la jungle, l’eau qui gicle, les montagnes américaines arides…) qu’ils dominent virilement (les deux cowboys ont arrêté leurs chevaux en pleine course, comme le montre surtout le geste du cowboy de droite et les sabots du cheval de gauche) ainsi que les couleurs vieillies font clairement écho à un certain discours nostalgique d’une certaine Amérique.
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| Cowboy Marlboro |
De plus, le regard de deux cowboys se situe dans le hors champ, presque derrière eux, et leur geste arrêté fait penser qu’un événement a stoppé le cours normal des choses ; le suspens grandit et nous ne saurons pas ce qui a troublé nos deux héros, mais l’élément dramatique s’est introduit (alors qu’il était absent des deux images précédentes). Pourtant, cela n’est pas si simple puisque ces modes de représentation nostalgiques, et surtout ces couleurs, sont eux-mêmes datés : les poses des cowboys sont très proches des poses du cowboy Marlboro, sorti dans les années 60, de même que les couleurs de la photo, qu’on peut aussi rapprocher par exemple des couleurs de David Hamilton. Que Richard Prince choisisse ces couleurs n’est pas un hasard, ce n’étaient déjà plus à l’époque les couleurs typiques de l’évocation de la nostalgie (aujourd’hui, ce serait le style « Hipstamatic ») : l’image représente donc la nostalgie de la nostalgie des années 60 qui regrettait le temps des cowboys, du far west… Je ne sais pas précisément quelles sont les intentions précises de Richard Prince à cet égard ni s’il entretient une sorte d’ambiguïté dans le choix de ses symboles (Marlboro, les Etats-Unis des années 60, la virilité des cowboys…) à la manière d’Andy Warhol, mais cette nostalgie de nostalgie signe pour moi une ironie certaine, un décalage qu’il n’y aurait pas eu s’il avait véritablement voulu faire l’apologie de tout cela.
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| Gursky - Rhein II |
Enfin, si j’ai pu critiquer le cadrage, je dois cependant admettre que la composition du fond me touche beaucoup : cette séparation en trois espaces distincts, aux lignes claires et simples, dans lesquelles s’opposent l’eau, la pierre et la végétation, le blanc, le rouge/jaune et le vert. Il ne faut pas certainement sur-interpréter cela dans des symboles inutiles (l’opposition des éléments minéraux à la vie, ou bien l’élément minéral pris en sandwich dans les symboles de la vie…), bien que je ne suis pas sûr d’abord du fait que Richard Prince n’y ait pas pensé, ensuite que cela ne soit pas saisissant quand on se retrouve devant le tirage qui, rappelons-le, est monumental. Bref, pour finir sur une note anachronique – décidément -, je dirais que cela me fait paradoxalement penser à la peinture abstraite, à Rothko par exemple, mais surtout aux photographies abstraites de Gursky, notamment Rhein pris sensiblement à la même époque (1996), un hasard ?
Cette imbrication temporelle, cette diversité d’interprétations en font, comme nous le disions en introduction, une œuvre bien moins « franche » que les deux précédentes. L’artiste semble avoir choisi spécialement un sujet controversé pour pouvoir s’en détacher par l’ironie. Sa démarche ne se caractérise pas, c’est le moins qu’on puisse dire, par un désir de construction ; même Douglas Huebler, en déconstruisant reconstruisait et même l’ironie des avant-gardes avait pour but de promouvoir quelque chose de meilleur. Rien de tel ici en apparence, juste une ironie caustique à l’attaque des valeurs de l’art qu’il parodie facilement, reprenant notamment certains procédés du pop art, couleurs acidulées, œuvres inspirées d’une prétendue culture populaire…
Article suivant : Thomas Ruff
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